Hace poco volví a una de mis pasiones: el rodaje de películas. Soy italiano y recientemente me mudé a California. En Italia, es muy difícil encontrar un buen laboratorio para revelar películas y es aún más difícil encontrar rollos de película de las marcas que me gustan. Aquí en los Estados Unidos, me sentí renacida con una nueva alegría: todo es mucho más fácil cuando se trata de rodar películas. En todo el mundo el rodaje de películas es cada vez más popular, está de moda de nuevo, e incluso es posible encontrar fotógrafos que regresan al mundo analógico, abandonando el mundo digital en busca de trabajos remunerados. En Italia, el negocio de la fotografía gira completamente en torno al rodaje digital: casi nadie piensa ya en el cine. Así que para mí, fue increíble llevar mis cuatro rollos de 120 rollos al laboratorio para descubrir que sólo podían ser procesados después de que el pedido para el cliente anterior estaba terminado…. el laboratorio me dijo que una compañía bien conocida con un logotipo azul con sede en el área de la bahía acababa de entregar un gran lote de 70 rollos para su procesamiento! Me puse un poco triste cuando descubrí que mi lote se había retrasado 48 horas (más allá de las habituales 24 horas necesarias para el revelado, impresión de la hoja de contacto y escaneo de todo en alta resolución), pero finalmente recibí mis rollos procesados y se pueden ver algunos resultados en las imágenes de este artículo.
Como consecuencia de mi regreso a rodar más a menudo que en el pasado, y de la valiosa comodidad de tener un laboratorio a la vuelta de la esquina, finalmente decidí centrarme en el formato medio, pero sin ir a por todas. Compré un Mamiya 645 AF, un Phase One 645 AF, tres respaldos de película, un respaldo Polaroid y mis tres objetivos en mi rango de distancia focal favorito: 35mm, 55mm y 150mm (aproximadamente 20mm, 35mm y 95mm respectivamente en el formato 35mm). Tengo un par de proyectos más que me gustaría desarrollar con este equipo, tal vez hablemos de esto en un post siguiente.
Una cosa que me encanta de rodar películas es la oportunidad de experimentar con el blanco y negro real, el de halogenuros de plata, no la simulación digital. Tengo una opinión bastante fuerte sobre el blanco y negro y puede que no sea la más común: Creo que fotografiar en blanco y negro es mucho más fácil que fotografiar en color! Incluso diría que un método excelente para hacer interesante cualquier imagen de color mediocre… ¡es convertirla a blanco y negro! Lo sé… podrías estar en desacuerdo conmigo.
La fotografía en blanco y negro es extremadamente simple. Es simple para nuestro cerebro descifrar y entender. En digital, se vuelve un poco más complejo crear, retocar o editar en blanco y negro. En mi opinión, es más difícil crear imágenes realmente impresionantes utilizando la fotografía en color, ya que el color añade muchas más capas complejas para la interpretación. Y, las cosas se complican mucho más cuando se intenta… ¡hacer fotografías en color con película en blanco y negro! Pero, me gustan los retos y este es el actual!
Puede sonar raro, pero de lo que estoy hablando no sólo es posible, es un concepto teorizado justo después de la invención de la fotografía misma por el físico James Clerk Maxwell . En 1855, Maxwell fue el primero en sugerir la posibilidad de crear una imagen en color utilizando el aditivo del espacio de color RGB mediante la combinación de tres imágenes diferentes en blanco y negro utilizando proyección a través de filtros de color (pueden ver algunos ejemplos de mi interpretación de este método en las imágenes del artículo). Esta técnica también se utilizó comercialmente (francamente sin mucho éxito) a partir de 1897, después de la invención del proyector Kromscop en 1894 por parte de Frederic Eugene Ives , un método que utilizó para documentar los desastrosos efectos del terremoto de San Francisco en 1906. Hasta entonces, la fotografía en color se creaba tomando tres fotos separadas en tres momentos diferentes y luego combinándolas. La primera cámara real que tomó fotografías con este método en una sola toma fue inventada por el fotógrafo ruso Sergey Prokudin-Gorsky en 1902.
El ciprés solitario
Capturar el momento a través de tres tomas separadas nunca fue fácil. Ya en esa época, el mundo de la fotografía estaba dominado por la necesidad de velocidad y la necesidad de tomar imágenes de sujetos que se movían rápidamente. Esta fue la razón principal por la que este proceso nunca llegó a ser popular. Irónicamente, fue en el campo de la cinematografía, sin embargo, donde este principio se aplicó con gran éxito. En 1916, Technicolor inventó un proceso de postproducción que combinaba dos bobinas diferentes filmadas en blanco y negro a través de un filtro verde y rojo respectivamente (Technicolor Process 1 – RG). Obviamente este proceso permitió la representación de una paleta de colores muy limitada e incluso emplearon profesionales especializados para asegurar que el maquillaje y la ropa respetaran la gama disponible en el set de películas. Sólo en 1924 se perfeccionó el proceso para incluir todo el espectro de colores, lo que se denominó Technicolor “process 4 – RGB”. Ese fue el proceso que dio a Technicolor el prestigio del que gozaba y que, aún hoy en día, llevaría a la mayoría de las personas a asociar Technicolor como sinónimo de colorido. El proceso 4 fue una técnica de postproducción que involucró la encuadernación de la película en blanco y negro para obtener la proyección en color en las salas. La película fue expuesta utilizando una cámara de cine personalizada que pasaba los tres rollos de película simultáneamente a través de una compleja serie de filtros de color, espejos y prismas.
A estas alturas te estarás preguntando: “¿Por qué este tipo me lleva de vuelta a través de la historia de la fotografía?”
La respuesta es fácil! Estoy tan fascinado por la fotografía en color y por esta asombrosa técnica analógica que decidí estudiarla más y traté de replicarla con un toque de modernidad, que me gustaría compartirla con ustedes. Acabo de empezar, pero los resultados hasta ahora son definitivamente alentadores e interesantes!
Decidí combinar esta investigación personal con otra pasión mía: la fotografía de paisajes de larga exposición. La fotografía de paisajes es realmente ideal para este propósito porque el sujeto tiende a ser increíblemente estable, o no se mueve en absoluto, especialmente si se “borra” cualquier movimiento usando técnicas de exposición prolongada se obtienen las condiciones perfectas!
Martins Beach
Si usted está familiarizado con los conceptos detrás de la fotografía de la película, usted sabe el problema que trae el fracaso de la reciprocidad cuando se usa la película para exposiciones largas: a medida que la luz se vuelve más escasa, los granos de haluro de plata que residen en la película serán golpeados de manera menos uniforme por los fotones, causando una caída pronunciada en la densidad después de unos pocos segundos de la exposición necesaria. A veces después de sólo un segundo tienes que hacer correcciones y con algunas películas en color puedes tener un cambio de color notable. Afortunadamente una película fantástica hecha por Fuji todavía está disponible en el mercado que no requiere ninguna compensación hasta que es expuesta por más de 120 segundos: el FujiFilm Neopan ACROS 100, ¡estoy enamorado de ella!
Hoy en día, todo es mucho más fácil y, gracias a Adobe Photoshop, ya no se necesitan equipos y proyectores complicados para disfrutar de este tipo de imágenes. Lo único que necesita es asignar cada toma en blanco y negro tomada a través de un filtro de color a uno de los canales RGB de una imagen! Tome tres fotografías en blanco y negro utilizando un filtro rojo 25, verde 58 y azul 47B respectivamente. Mi marca de filtros favorita es NiSi, especialmente su portafiltros V5 (esto, combinado con sus filtros de cristal ND IR, produce imágenes excepcionales). Sin embargo, NiSi no produce este tipo de filtros de color, así que tuve que comprar los de Formatt Hitech (más baratos que los filtros de resina Lee y de mejor calidad en general en mi opinión).
No satisfecho con los resultados del proceso clásico conocido como “Tri-Chrome” y molesto por algunos efectos fantasma en mis imágenes, evolucioné un poco la técnica y ahora estoy usando un proceso que llamo “Separación de Frecuencia de Technicolor”. Para mis tomas, separé las frecuencias altas de las bajas, y procesé el color y la luminancia por separado. Es algo muy popular en el retoque fotográfico para fotos de belleza, pero lo aproveché en la preproducción durante la filmación. Normalmente tomo cuatro fotos en FujiFilm Neopan ACROS 100 y obtengo los resultados que se pueden ver en la foto de abajo. ¡¿No es genial?!
< 
Separación del canal de Martins Beach
El primer disparo (para las tomas de la puesta de sol) se utiliza para el canal de luminancia (o el último disparo para las salidas del sol). Proceso mis imágenes en una mezcla de RGB y LAB y utilizo las otras tres tomas, tomadas a través de filtros de color, para crear la mezcla de color RGB. El proceso se realiza en Photoshop después de revelar y escanear los negativos.
¿Qué opinas de esta técnica? ¿No es increíble lo que se puede conseguir procesando cuatro fotogramas de película en blanco y negro por separado? ¿No es mágico cómo se puede obtener el color de una película de halogenuros de plata en blanco y negro puro? Si tienes curiosidad sobre esta técnica o te gustaría compartir algo sobre experiencias similares que hayas tenido, ¡estaré encantado de responder a tus preguntas en los siguientes comentarios! No veo la hora de rodar más de 120 rollos para perfeccionar esta técnica!
