B y N de alto contraste con Lightroom

Hace un tiempo, escribí un artículo sobre conversiones de bajo contraste con Lightroom. Después de leer algunas de las respuestas recibidas en el artículo, me sorprendió gratamente que muchos de nuestros lectores prefieran las conversiones de bajo contraste a las siempre populares conversiones de alto contraste. Esto no quiere decir que la fotografía de alto contraste sea de alguna manera inferior, en absoluto. Como hemos cubierto, simplemente envía un mensaje emocional diferente. Es el tipo de mirada más popular y más fácilmente aceptado, que es exactamente la razón por la que me pareció adecuado ir en contra de la ola y empezar con lo opuesto. Ahora, desde que escribí ese artículo, he recibido varias solicitudes para un artículo similar sobre una conversión de alto contraste. Este tema es particularmente difícil para mí ya que raramente hago de alto contraste, pero las peticiones me recordaron una ocasión en la que estaba trabajando deliberadamente hacia tal resultado desde el principio. Y así, como siempre, empezamos con una fotografía.

Una nota al margen: al leer la introducción de este artículo y algunas de mis declaraciones más adelante, puede que tengan la impresión de que veo que la fotografía de alto contraste en general está de alguna manera equivocada. Puede que pienses que no me gusta. Le aseguro que no es así, como en todo, es una cuestión de previsualización. No elegimos (o no deberíamos elegir) un método particular de post-procesamiento de acuerdo con nuestro – el sujeto, la luz, el estado de ánimo (el que transmite la imagen y el nuestro), la fotografía misma dictan el aspecto final de nuestro trabajo. Lo que sí me disgusta es el uso excesivo del contraste – para algunos fotógrafos, es una práctica común tratar de arreglar las imágenes añadiendo contraste e incluso saturación (de la misma manera que algunos tratan de arreglar su trabajo convirtiéndolo en, en realidad). En otras palabras, no se trata de la técnica, sino de cómo y cuándo aplicarla, artista o no. Como siempre, también es importante señalar que la conversión que elegí, y los pasos para lograr el resultado final, son muy sensibles a las mayúsculas y minúsculas. No hay una forma perfecta de hacer las cosas, y no hay una mirada perfecta. Que te guste o no el resultado depende enormemente tanto de tu gusto por la fotografía como de la calibración de tu monitor. Hay tantas maneras de convertir las imágenes, que ni siquiera es un rasguño en la superficie, apenas una gota de agua en el océano.

La fotografía

Para este artículo en particular, tuve que cavar bastante profundo en mi biblioteca para encontrar algo adecuado hasta que redescubrí un proyecto en el que trabajé hace casi un año. No tiene sentido hablar de ello con mucho detalle dado que hay un artículo entero ya escrito. Lo más importante en este caso particular es que, de principio a fin, trabajé intencionadamente para hacer de esto una imagen de alto contraste. Desde la configuración de las luces hasta la elección del sujeto y el equipo, sabía exactamente cómo se vería la fotografía y no podría haber sido diferente. El énfasis en este retrato está en el contraste entre el estado de ánimo tranquilo (hasta un punto en el que está casi ausente) y la textura bien definida, contrastante e impactante de la piel. Ahora bien, dado que se trata de un archivo RAW sin procesar, no se ve mucho de lo que describí, pero el comienzo está ahí: la luz acentúa la piel arrugada y áspera del personaje, y como hay tan poca luz de relleno, la cara sigue siendo la zona más brillante de la imagen y por lo tanto atrae la mayor atención. Esta parte es muy importante – la forma en que iluminé el sujeto aseguró no sólo una interpretación suave, sino también de alto contraste. Las decisiones que tomé durante el post-procesamiento sirvieron sólo para realzar eso, no para arreglarlo.

Esto es parte de la razón por la que la fotografía inicial podría parecer subexpuesta para algunos, también (especialmente si se echa un vistazo al Histograma). La exposición general de las dos imágenes, antes y después, es bastante similar, como verá. Es una práctica común «exponer a la derecha», especialmente cuando se trabaja en el estudio, para guardar la mayor cantidad de información en las zonas de sombra como sea posible. También es una práctica común que raramente sigo yo mismo, ya que trato de acercarme lo más posible a la exposición necesaria en la cámara cuando sé que no necesitaré ese detalle extra de sombra. Tal vez el rodaje de una película y por lo tanto juzgar la exposición con precisión tiene algo que ver, o tal vez porque no encuentro el post-procesamiento como un esfuerzo glamoroso sin complicarlo más con tales técnicas demasiado técnicas, si es que son útiles.

A diferencia del tutorial anterior, estoy a punto de hacer un ajuste más local con esta fotografía. Antes de empezar, sin embargo, vale la pena mencionar el equipo utilizado para tomar el retrato. Normalmente, tiendo a trabajar con mi cámara y lente Nikon, pero para este proyecto en particular elegí la Canon 5D Mark II por su sensor de mayor resolución y su sensibilidad ISO nativa de 100 (útil en un estudio, especialmente si uno planea usar ajustes de apertura amplia). La D800 podría haber sido aún más adecuada, pero no tenía una a mano en ese momento. Aún así, el Canon demostró ser brillante para la tarea. En cuanto al objetivo, elegí el brillante Canon EF 24-70mm f/2.8L II USM . El uso de un objetivo zoom en un estudio es muy conveniente y, sin embargo, debido a que la apertura a menudo se detiene bastante (f/11 en este caso tanto para la profundidad de campo como para el máximo detalle resuelto a lo largo del cuadro, de un lado a otro), no hay ningún inconveniente en la calidad de la imagen, incluso cuando se compara con algunos de los mejores objetivos primarios. El retrato fue tomado en un estudio con dos fuentes de luz, como se puede ver claramente.

El resultado

La captura de pantalla de arriba muestra el retrato con algunos ajustes básicos muy pequeños – Balance de blancos, Recorte (la relación de aspecto también se cambió a 4:3 para una mejor composición) y Nitidez, en su mayoría. La siguiente imagen es el resultado de todos los pasos que di durante el post-procesamiento:

 Canon EOS 5D Mark II + EF24-70mm f/2.8L II USM @ 70mm, ISO 100, 1/160, f/11.0

Como pueden ver, el resultado es bastante diferente de la imagen con la que empecé, y no sólo porque le falta color. Durante el post-procesamiento traté de realzar fuertemente los rasgos faciales del sujeto y fue necesario algún ajuste local significativo para lograrlo, entre otras cosas porque un archivo RAW plano «suaviza» la textura de la piel considerablemente. También tuve que tomar medidas para ajustar ligeramente la luz del fondo, ya que no logré controlarla lo suficiente durante la breve sesión de fotos. En general, hay mucha diferencia entre las dos imágenes y eso nos muestra una vez más lo importante que es y siempre ha sido el post-procesamiento para la fotografía.

Entonces, ¿vamos?

El proceso

Normalmente, mi rutina de post-procesamiento es bastante simple. En primer lugar, necesito encontrar un buen punto de partida para dos áreas específicas de la fotografía – el fondo y el sujeto principal. Lo que importa aquí no es la cantidad de contraste en sí, sino la relación visual entre los dos elementos. Una vez que lo resuelva, es sólo cuestión de ajustar el contraste general de la fotografía a un nivel necesario. Pero no nos adelantemos, las correcciones básicas y la conversión al blanco y negro inicial es donde empezamos.

1) Conversión básica

Ya he mencionado algunos de los primeros pasos que di en la preparación de la imagen para el proceso «real». Siempre hago estos ajustes de antemano para darme una mejor idea de cómo se ve realmente la escena y qué ajustes específicamente necesitan ser ajustados para lograr el aspecto deseado. Así que, antes de hacer cualquier otra cosa, ajusto el Balance de Blancos, el Enfoque, el Recorte y, si es necesario, la Exposición. La exposición siempre se ajusta a medida que se trabaja, a veces incluso en más de una ocasión, por lo que este paso en particular sólo se aplica si los ajustes de exposición originales están muy lejos y es necesario un ajuste considerable. Por último, pero no por ello menos importante, corrijo cualquier distorsión que la lente pueda producir en la pestaña de Correcciones de Lentes – una cuestión muy sencilla si Lightroom tiene un perfil para la lente utilizada. Si no, aplico esta corrección sólo cuando la distorsión es evidente. De lo contrario, no es necesario.

Después de eso, la conversión básica a B&N debe hacerse como punto de partida. Con Lightroom, tienes al menos cuatro formas de hacerlo:

  • Tratamiento, Pestaña Básica – poner el Tratamiento en la parte superior de la Pestaña Básica en el panel del lado derecho en el Módulo de Desarrollo a Blanco y Negro;
  • Deslizador de Saturación, Pestaña Básica – ajustar Saturación a -100 en la parte inferior de la Pestaña Básica;
  • Deslizadores de Saturación, Pestaña HSL – establece la Saturación de cada color por separado en la Pestaña HSL/Color/B&N;
  • B y N, HSL/Color/B y N – seleccione la sección B y N en la pestaña HSL/Color/B y N, que es efectivamente la misma que la primera opción, eligiendo el tratamiento de blanco y negro en la parte superior de la pestaña básica;

Por extraño que parezca, cada método de conversión inicial (salvo el primero y el último, ya que son esencialmente iguales) da como resultado un aspecto ligeramente diferente. Si elige ByN como tratamiento, Lightroom asignará automáticamente ciertos valores en la pestaña de ByN basados en su análisis de la imagen. Si encuentra esos ajustes a su gusto o no es muy personal y depende de cada fotografía individual. Esta vez, elegí desaturar cada color individualmente usando la pestaña de HSL. No hay ninguna razón en particular para ello, aparte del hecho de que voy a hacer bastantes ajustes usando esa pestaña, así que también podría hacer el primer paso allí:

Lo que acabamos teniendo es una fotografía en blanco y negro con una transición tonal muy suave, pero también una que es bastante «plana». Aún así, una conversión tan temprana ya nos da una idea bastante buena de lo que hay que hacer: eliminar el color ayuda a notar la luminancia de las diferentes áreas más fácilmente. Todos los demás pasos están básicamente destinados a iluminar las zonas claras y oscurecer aún más las sombras.

2) Curva de tono

Lo que probablemente sea una de las herramientas más poderosas de Lightroom o de cualquier software de post-procesamiento, la Curva de Tono es donde más hago para conseguir el aspecto que quiero, ya sea una conversión de bajo contraste o la que requiere una transición más rápida de las luces a las sombras. De hecho, en muchos casos, la curva de tono junto con las pestañas de HSL/Color/B&N es todo lo que necesitas para un hermoso B&N. Lo primero que hice con la Curva de Tono en este caso en particular es cambiarla al modo Curva de punto de edición, como se muestra en la siguiente captura de pantalla:

Esto permite una transformación libre sin la ayuda de Lightroom para mantener la curva suave. Allí, hago clic en el menú desplegable de Curva de punto en la parte inferior de la pestaña y selecciono el preajuste de Contraste fuerte. La fotografía se transforma instantáneamente en una mucho más «impactante». Echa un vistazo a los cambios que he hecho en el modo Editar curva de punto con sólo un par de clics de ratón:

 

Es una gran diferencia, ¿no? Ahora, no hemos terminado con la Curva de Tono todavía. El preajuste de Contraste Fuerte sirve como un mejor punto de partida para el fondo así como para el sujeto principal que el ajuste recto y lineal, pero algún ajuste final será necesario un poco más tarde. Por ahora, los cambios actuales le dieron a la imagen suficiente «pop» para que yo empiece a buscar una buena relación entre el sujeto principal y el fondo con comodidad. Y ahora que el fondo está más cerca de mi visión, es hora de hacer algunos ajustes locales con la pestaña HSL y el Pincel de Ajuste para dar al sujeto principal de la fotografía un punto de partida igualmente bueno antes del ajuste final.

3) HSL/Color/B&N Tab

Lo que los ajustes de luminancia dentro de la pestaña HSL/Color/B&N me permiten hacer es cambiar el brillo de ciertas áreas de la imagen en base a su color y no a su tonalidad, como es el caso de la Curva de Tono. En otras palabras, aunque estamos trabajando con una imagen en blanco y negro, este ajuste «más local», de una manera un tanto peculiar, implica trabajar con el color. Para este caso particular esto significa que puedo iluminar la piel de mi sujeto sin afectar, digamos, el fondo de la imagen, y este es exactamente el tipo de ajuste local que a menudo resulta clave en una conversión bien hecha de blanco y negro.

 

Como confío en que recuerde, los tonos de piel consisten principalmente en naranja, algunos rojos y un poco de color amarillo. Sólo ajusté los deslizadores de rojo (+45) y naranja (+53) ya que el amarillo era demasiado sutil e innecesario en este caso particular. No había ninguna razón en particular por la que decidiera ajustar el naranja a +53 y no, digamos, +52 – simplemente arrastré los deslizadores hasta que estuve satisfecho con el aspecto. Naturalmente, implicó algunas idas y venidas, así que no esperes que los mismos números funcionen en tu caso, experimenta para encontrar lo que se ajusta a tu visión. Con el retrato en el que estoy trabajando, los cambios resultaron en tonos de piel generalmente más brillantes. Lo que importa es que los puntos más destacados en el rostro del sujeto se enfatizaron más, pero el fondo no cambió en absoluto. Use la herramienta de arriba para comparar las imágenes de ajuste de la luminancia antes y después del HSL.

4) Cepillo de ajuste

Ahora que la piel, en promedio, es más o menos tan brillante como necesito que sea en relación con el fondo, es hora de aumentar el contraste local y añadir aún más impacto visual donde está la cara del sujeto. Para esto, el Pincel de Ajuste es la herramienta perfecta. Tengo dos opciones que me ayudarían a aumentar la prominencia, la definición de la textura de la piel – Contraste y Claridad. Dado que el Contraste aumenta el brillo de los reflejos y hace que las sombras sean aún más oscuras, potencialmente puede hacer desaparecer algunos de los detalles que prefiero conservar, especialmente porque planeo usar la Curva de Tono para aumentar el contraste general al final. La claridad es la mejor opción en este caso, ya que sólo afecta a la intensidad de la transición de las sombras a los toques de luz, y por lo tanto ese es el ajuste que elegí.

En total, necesitaré dos cepillos de ajuste, uno para todo el sujeto (valor de Claridad más bajo) y otro para los rasgos faciales del sujeto (ajuste de Claridad más agresivo). Para el primer Pincel, ajusté el deslizador de Claridad a 25 y «pinto» todo el sujeto, como se puede ver en la siguiente captura de pantalla:

El segundo cepillo era mucho más agresivo (puse el deslizador en 62, y eso es además del primer deslizador ya que las dos áreas de efecto se superponen), pero sólo se aplicó en la zona más prominente de la cara del sujeto para ayudar a que todos los pliegues, arrugas y texturas de la piel se destaquen. Y ciertamente lo hicieron. Use la siguiente herramienta para comparar dos imágenes – una antes del Cepillo de Ajuste, la otra después:

 

Como pueden ver, la configuración de Claridad enfatizó enormemente lo que podríamos llamar «imperfecciones de la piel», y ese era el objetivo principal. ¡Ya casi hemos terminado!

5) Volver a la curva de tono

Si recuerdan, la última vez que hicimos cambios en la Curva de Tono, se hizo en el modo de Curva de Edición de Puntos. Los ajustes finales al contraste general de la imagen son más fáciles de lograr en el modo normal, así que desactivo la Curva de Edición de Puntos e introduzco los siguientes valores:

  • Lo más destacado: +8
  • Luces: +22
  • Oscuros: -6
  • Sombras: -14

Eso es lo que más me gusta. Notarán que los valores son, de nuevo, bastante agresivos, pero creo que funcionan para este retrato en particular y fueron muy intencionales. Eche un vistazo:

 

Observe el Histograma – algunos negros se pierden en realidad y aunque desde un punto de vista técnico es una buena práctica evitar tales resultados, realmente no me importa ya que es tan gráfico en su naturaleza. Simplemente funciona para mí.

6) Vignetting

Si alguna vez oyes a alguien decir que el viñeteado es un defecto óptico que debe ser arreglado, ignóralo. Es, teóricamente, un defecto óptico. Pero sólo si eres un científico. Para los fotógrafos entre nosotros, si se usa correctamente, puede ser una herramienta muy poderosa y sutil. El uso básico es oscurecer las esquinas de la imagen para mantener la mirada del espectador dentro del marco por más tiempo. También ayuda a dirigir la mirada hacia el elemento más prominente (normalmente el más brillante) de la composición. Añadí un poco de viñeteado suave post-cosecha (; Cantidad: -16; Punto medio: 15; Redondez: 100; Pluma: 100; Resaltes: 0) usando la pestaña de efectos por estas mismas razones:

  • Estilo: Prioridad de resaltar
  • Cantidad: -16
  • Punto medio: 15
  • Redondez: 100
  • Pluma: 100
  • Lo más destacado: 0

Si necesitas más control, usa la herramienta de Filtro Radial, es mucho más potente.

7) Grano

Un último toque final es un poco de grano para que la imagen parezca más orgánica. Los ajustes que elegí en la sección de grano de la pestaña de efectos son los siguientes:

  • Cantidad: 16
  • Tamaño: 34
  • Rugosidad: 65

¡Compare!

Si tienes curiosidad por saber cuánta diferencia hubo entre todos estos juegos, echa un vistazo a la siguiente comparación. La imagen del «Antes» es la conversión básica a blanco y negro desaturando cada color individualmente usando la pestaña HSL; la imagen del «Después» es nuestro resultado final:

 

Palabras finales

Si te gusta la conversión o no, incluso si te gusta el retrato en sí no importa. Con este artículo, he hecho todo lo posible para mostrarle cómo varias de las herramientas de Lightroom pueden ser utilizadas en conjunto para lograr una conversión de alto contraste en blanco y negro. Con suerte, me las arreglé para enseñarte algo. Más que eso, espero haber conseguido inspirarte un poco para que intentes trabajar en esos aspectos de blanco y negro por tu cuenta. Como siempre con el post-procesamiento, muchos experimentos ocurrieron «detrás de las cortinas» antes de que me estableciera con los números y las opciones que viste descritas. ¿Y sabes por qué? Porque no hay una sola manera de hacer una buena conversión de B y N de alto contraste. Simplemente no la hay. De hecho, he trabajado en esta fotografía antes y habiendo comenzado desde cero para este artículo, he llegado a una imagen final que es ligeramente, pero notablemente diferente de mi primer intento.

 Canon EOS 5D Mark II + EF24-70mm f/2.8L II USM @ 70mm, ISO 100, 1/160, f/11.0

Espero que el artículo le haya sido útil. En caso de que su método de conversión sea diferente al mío – y lo más probable es que lo sea – asegúrese de compartir su preferencia en la sección de comentarios a continuación. Estoy seguro de que nuestros lectores tendrán curiosidad por conocer más formas de conseguir imágenes espectaculares en blanco y negro. ¡Ya lo sé!

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