¿Qué es la fotografía monocromática de bajo coste?

Con todas las nuevas y sorprendentes cámaras y lentes que crean un color excepcional, la mayoría de nosotros estamos inundados de imágenes saturadas en todos los medios sociales. Pero, hace unas décadas, la mayoría de lo que vimos eran mundos grises. Aunque la fotografía actual puede dar vida a millones de colores, el mundo gris es tranquilo, pacífico y fascinante por sí solo. En este artículo veremos cómo hacer interesantes imágenes monocromas y cómo darles vida, en pocas palabras.

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Fotografía de clave baja vs. clave alta

Una fotografía de baja intensidad tiene objetos brillantes y de alto contraste sobre un fondo más oscuro, mientras que una imagen de alta intensidad es lo contrario, compuesta de objetos más oscuros y de bajo contraste sobre un fondo más brillante. La imagen de arriba de un paisaje es una imagen típica de clave baja, mientras que la de abajo es claramente clave alta. Es importante señalar que las imágenes de bajo perfil no pueden considerarse aburridas de ninguna manera.

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Como vivo en la India, donde los grandes Himalayas se extienden a lo largo de unos 1500 km, y me encanta fotografiar montañas nevadas y glaciares, estoy más inclinado a fotografiar paisajes de bajo perfil. Sin embargo, la fotografía de baja calidad en blanco y negro también se filtra en muchos otros géneros de la fotografía, incluyendo retratos e incluso la vida silvestre. (Recuerde también que tenemos un completo tutorial de fotografía en blanco y negro sobre la vida de la fotografía.)

 

Comprensión de la fotografía monocromática de baja clave

A continuación se muestra la lista de ingredientes esenciales para una fotografía de paisajes en blanco y negro y monocromo de bajo perfil:

  • El sistema de zonas de Ansel Adams
  • Exposición
  • Micro Contraste
  • Composición
  • Post-Procesamiento

El Sistema de Zona Ansel Adams / Fred Archer

Permítanme explicarles brevemente cuál es el sistema de zonas para aquellos que acaban de entrar en el abismo de la fotografía. En los días de las películas, la leyenda de la fotografía Ansel Adams (que se ha convertido en un nombre muy conocido hoy en día) ideó un método para obtener la exposición óptima en la impresión final. Ansel Adams lo explicó con gran detalle en sus libros más vendidos “La cámara”, “El negativo” y “La impresión”. Esos tres libros han sido considerados como la Biblia de la fotografía por muchos fotógrafos, incluso hoy en día. Aunque el sistema de zonas se puede utilizar para imágenes en color, originalmente se formuló para imágenes monocromas, y veremos exactamente eso, y la eficacia con la que se puede utilizar para dar vida a las imágenes paisajísticas de bajo perfil.

En pocas palabras, el sistema de zonas divide una escena en 10 zonas, desde la negra (completamente subexpuesta) hasta la blanca (sobreexpuesta), con cada zona separada por una parada. Generalmente las zonas I y II se consideran subexpuestas ya que no se pueden extraer muchos detalles de esas zonas. Del mismo modo, IX y X se consideran sobreexpuestos, lo que significa que sería difícil retener los detalles de los blancos. Pero como siempre, no hay reglas duras y estrictas en ningún arte. Lo aprendemos para decidir cómo y cuándo doblarlo. Personalmente, prefiero un cielo oscuro en la mayoría de mis imágenes, ya que ayuda a resaltar la profundidad y el contraste de la imagen, y una imagen típica de bajo perfil se supone que está empapada en la oscuridad. Un cielo más luminoso también podría convertirse en una distracción, ya que nuestros ojos siempre están orientados hacia el lado luminoso. En la imagen de abajo, es el cielo subexpuesto el que sale por delante de las capas de dunas de arena y ayuda a mantener los ojos del observador fijos en las masas terrestres, que son los sujetos.

Para resaltar el alto contraste, yo personalmente evito las zonas medias (Zona V y/o VI), es decir, dividir la escena en tonos brillantes y oscuros, colocando los tonos más oscuros entre la zona III y IV y colocar las zonas más brillantes entre la VI y VII o la VII y VIII. También me gusta que una pequeña parte de la imagen esté sobreexpuesta (lo más probable es que nieve/hielo en las montañas) para mejorar aún más el contraste. Silencioso, confuso, ¿verdad? Lo entenderías mejor si miraras la imagen de abajo:

El cielo es completamente negro, lo que significa que está en la zona I, las estrellas y los pequeños nevados están en las zonas VIII y IX mientras que las montañas están en las zonas III, IV y VI. La grava en primer plano se encuentra entre III y IV, con algunas gravas más brillantes en VIII y IX, lo que les da un toque de brillo.

Exposición

Ahora que tenemos una idea clara de cómo funciona el sistema de zonas, la siguiente gran pregunta es cómo colocar su imagen en esas zonas? Una vez más, no hay reglas duras y rápidas, y todo se reduce a la escena. A continuación se presentan algunos consejos para obtener la exposición óptima.

    1. Previsualización : El primer paso es previsualizar. He visto a mucha gente convertir una imagen suave o borrosa en una imagen en escala de grises. Por el contrario, encuentro que las imágenes monocromas exigen más nitidez y contraste que sus contrapartes de color. Si tiene la intención de convertirla en una imagen monocroma, tome la decisión incluso antes de pulsar el botón del obturador, para que pueda planificar todo en consecuencia, en lugar de hacerlo en el último paso, es decir, en el posprocesamiento.
    2. Iluminación : Evitar la iluminación de mediodía y/o escenas retroiluminadas. En ambos casos, especialmente al fotografiar paisajes con el cielo incluido, que es lo que hacemos la mayor parte del tiempo, el cielo se expone una o dos paradas más brillante que el propio paisaje y, como resultado, aleja el ojo del observador del sujeto. La forma preferida es tener el Sol alrededor del horizonte detrás de ti, iluminando a tu sujeto. En tal escenario, el sujeto queda expuesto de forma natural una parada más brillante que el cielo, especialmente si se trata de una montaña cubierta de nieve.
    3. Rango dinámico : Como se mencionó anteriormente en el sistema de zonas, estamos tratando con un rango dinámico bastante alto cuando hablamos de imágenes monocromas. Intente siempre mantenerse lo más cerca posible de la base ISO. No es el ruido lo que debería preocuparle, sino el rango dinámico que exige una imagen en blanco y negro de alto contraste. Todas las cámaras tienen su mejor rango dinámico alrededor del base ISO , así que aténgase a eso tanto como sea posible.
    4. Bracketing : Como estamos hablando de 6-7 paradas de rango dinámico, es difícil hacerlo bien en un solo disparo todo el tiempo. Aquí es donde entra en juego el horquillado. Trate de poner en corchetes 3 imágenes separadas por un tope, de modo que al final obtenga una composición de 9 o más toques.
    5. Apertura : A diferencia de fotografía de vida silvestre , donde tendemos a disparar mayormente a gran distancia, es mejor disparar a aperturas más pequeñas al fotografiar paisajes por un par de razones. En primer lugar, la mayoría de los objetivos son generalmente los más nítidos cuando se detienen y, en segundo lugar, es necesario poder obtener una profundidad de campo muy alta profundidad de campo . En algunas situaciones, puede ser mejor utilizar la técnica de apilamiento foco para obtener todo, desde el primer plano hasta el fondo nítido.
    6. Trípode : Una vez que el bracketing entra en la imagen, un trípode es bastante necesario. Ninguna de las imágenes de este artículo fue tomada en mano. Teniendo en cuenta que una imagen monocromática requiere una nitidez óptima, en la que se intenta acercarse lo más posible a la base ISO y disparar con un diafragma que esté al menos unas pocas paradas hacia abajo, requiriendo que se pongan en corchetes dos o más imágenes, todas estas cosas son muy difíciles de manejar sin un trípode adecuado. Vea Cómo usar un trípode para más detalles.
    7. Medición : Para la mayoría de las situaciones, Medición de matriz funciona muy bien por defecto. Como probablemente ya sabrá, el modo de medición matricial intenta alcanzar el 18% de gris, que la mayoría considera como el tono medio. Pero lo que la cámara acaba haciendo a veces es, en su afán por conseguir un color gris medio, hacer que la imagen parezca plana. Especialmente en un paisaje de perfil bajo, queremos negros absolutos en unos pocos puntos, y obviamente el medidor de matriz de la cámara trataría de exponerlo un poco más, tratando de retener algunos detalles. Esto, en algunos casos, elimina los reflejos y resulta en el recorte (partes del histograma que superan el límite superior). Aquí es donde Medición puntual se convierte en un salvador. Generalmente detecto el medidor en el punto más brillante de la escena con un Enfoque automático de un solo punto . Utilice el botón Atrás para bloquear la exposición, mueva la cámara para componer y luego suelte el botón del obturador. Si partes de su imagen están subexpuestas, puede exponerlas por separado y luego mezclarlas en el post-procesamiento. Dado que ya nos estamos acercando a la norma ISO básica, la recuperación de detalles de sombras en Lightroom o en cualquier software de posprocesamiento no debería ser un problema.
    8. Formato de archivo : Obviamente, usted debería estar disparando en RAW.
    9. Balance de blancos : No hay ningún plan para acabar con los colores en las imágenes de todos modos, así que ¿por qué preocuparse por balance de blancos , verdad? ¡No estoy de acuerdo! Un balance de blancos adecuado no sólo ayuda a lograr colores más precisos en las imágenes, sino que también ayuda con el histograma. Por ejemplo, un balance de blancos de 8000K empujará sus rojos mucho más a la derecha que sus verdes y azules en su histograma RGB, lo que significa que usted estará sobreexponiendo un tono, mientras que subexponiendo el otro(s). La forma más adecuada es conseguir que los canales RGB de la trama se superpongan entre sí tanto como sea posible. Siempre que se dispare en RAW, siempre es posible corregirlo en el post-procesamiento, pero yo personalmente siempre prefiero hacerlo bien en la cámara.

Micro Contraste

Un artículo sobre la fotografía monocromática, especialmente la fotografía de baja intensidad, estaría incompleto sin hablar del micro contraste. Algunos creen que es un concepto hipotético, pero yo estoy firmemente inclinado a creerlo. Todos sabemos y hemos sido alimentados con niveles de asfixia de artículos sobre contraste y nitidez, y precisamente incluso los propios fabricantes salen con MTFs para representar gráficamente su resolución. Sin embargo, no me refiero al contraste global. Entonces, ¿qué es el micro contraste?

Las dos imágenes de arriba tienen casi todas las zonas del sistema de zonas. Si vieras imágenes en color de masas terrestres en ambas imágenes, te darías cuenta de que son de diferentes tonos del mismo color. El micro contraste es básicamente el contraste entre los diferentes tonos de los mismos colores. Así que una vez que convierta una imagen en monocroma, más sombras del mismo color acumulativamente producirán más sombras de gris en su imagen monocroma. Desafortunadamente, no tenemos muchas opciones para trabajar en el micro contraste en postproducción, ya que depende principalmente de la lente en uso. Los gráficos MTF representan sólo el contraste global, lo que significa que una lente que tiene una resolución asombrosa puede tener un contraste micro pobre. Por ejemplo, se considera que las series de lentes Zeiss Distagon y Planar tienen un contraste micro inmaculado. Voigtlander y las clásicas lentes de montura Asahi SMC-Takumar M42 también son bien conocidas por su microcontraste superior. Algunos pueden no ser tan nítidos, pero su micro contraste realza el estado de ánimo y el tacto de toda la imagen. Hay muchas más lentes que tienen un micro-contraste excelente, pero eso está fuera del alcance de este artículo.

Composición

Echemos un vistazo a algunos de los elementos de la composición:

      • Espacio negativo : La mayoría de los tiradores de bajo perfil empapan su cuadro con espacio negativo y yo no soy la excepción. La oscuridad alrededor del tema es lo que realmente resalta el estado de ánimo en la escena. Cuando todo está oscuro, los ojos del observador son aspirados naturalmente en la parte más brillante de la imagen:
      • Nubes : La mayoría de nosotros sabemos que los interesantes patrones de nubes aportan una vibrancia, profundidad y estado de ánimo asombrosos a las fotografías. Y ciertamente lo hacen en imágenes de bajo perfil. Con un cielo más oscuro, las nubes capturadas con todo el contraste y los detalles entre ellas añaden un gran drama a las fotografías. La mayoría de las veces, las nubes son la parte más brillante de una fotografía, y exponerlas sin apagar los reflejos podría crear un estado de ánimo asombroso en sus fotografías. A continuación se presentan algunos ejemplos:  

      • Patrones : Tenga cuidado con los patrones que fluyen en una escena. Estos pueden incluir zig-zags, curvas, líneas principales y la lista continúa. Los patrones repetitivos crean una sensación aún mejor. La primera imagen de abajo tiene un zig-zag y la segunda tiene patrones repetitivos:
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      • Center Heavy : La composición más fácil para atraer al observador al marco es componer la parte más brillante del marco alrededor del centro. Las cascadas son ejemplos clásicos. Si puedes retener los detalles de las sombras en las rocas, no hay nada más que pueda añadir a la sensación de la imagen:
      • Exposiciones largas : Cuando el sol se pone, un mundo nuevo se despierta. Las tomas de exposición largas conllevan un estado de ánimo profundo, y la noche es el momento más fácil para hacerlo. Por supuesto, al principio puede que tenga problemas con la luz baja y el enfoque automático.Sin embargo, una vez que usted consigue sus maneras alrededor de los problemas, usted puede ser que termine con fotografías realmente impresionantes. Las nubes nebulosas añaden una sensación completamente nueva a los marcos, y si puedes obtener una explosión de estrellas en la luna, eso es aún mejor: Low-Key Landscape Photography (21)  Low-Key Landscape Photography (22)

Post-Procesamiento

La edición de imágenes es un tema muy amplio, que en sí mismo tiene muchos subtemas, cada uno de los cuales necesita un artículo completo. A continuación se presentan algunas técnicas de edición que utilizo la mayor parte del tiempo:

        • Prefiero Capture NX-D de Nikon para convertir archivos RAW en archivos TIFF de 16 bits como primer paso. Al convertir de RAW a TIFF, la diferencia entre Capture NX-D y Adobe Camera RAW es bastante evidente incluso antes de la edición. Simplemente intente abrir un archivo RAW en NX-D y en la cámara RAW al mismo tiempo. Literalmente se podía ver la diferencia. El balance de blancos y las correcciones de la lente son mejores en NX-D que en Camera RAW hasta donde yo he visto. Además, NX-D será capaz de traer de vuelta una gran cantidad de reflejos sobreexpuestos cuando tiramos de la barra de exposición por debajo de cero. En comparación, Camera RAW tiene una capacidad más limitada para retener los detalles que están sobreexpuestos.
        • Una vez que saco los TIFFs, los llevo a Lightroom para realizar los ajustes básicos que incluirían resaltar los detalles de las sombras y/o resaltar las luces o los blancos y añadir un poco de contraste. Por lo general, evito la nitidez y la vibración en Lightroom. La imagen sigue siendo una imagen en color hasta este paso.
        • El siguiente paso es importar la imagen editada por Lightroom a Photoshop CC. Aquí es donde la imagen se convierte en monocroma / blanco y negro. La mayoría de nosotros convertimos las imágenes a monocromo deslizando la barra de Saturación y Vibración completamente. En cambio, una capa en blanco y negro funciona mucho mejor. La herramienta de capas en blanco y negro le permite tonificar la luminiscencia de tonos individuales. Por ejemplo, para obtener un cielo más oscuro, permite bajar los tonos de azul solo, sin afectar los rojos o verdes. Pero como siempre, asegúrese de no exagerar, para que la imagen no tenga una sensación plástica o artificial.
        • En situaciones en las que tengo que mezclar dos o más imágenes, nunca uso software HDR. El software no conoce la escena y la mayoría de los programas terminan creando halos alrededor de las fronteras. Siempre mezclo las imágenes principalmente con máscaras de capa y a veces con máscaras de luminosidad.
        • A partir de aquí se trata de una o varias capas de Curva Tonal para resaltar el contraste entre las distintas secciones de la imagen sin crear halos ni hacer que parezca artificial

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He tratado de anotar la mayor parte de lo que hago para hacer algunas de mis imágenes favoritas de bajo perfil. Espero que esta guía les haya sido útil, y si tienen alguna pregunta específica, por favor déjenla en la sección de comentarios a continuación. Intentaré responder lo antes posible. Feliz chasquido!

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