Hola, mi nombre es Rick Keller. Soy un fotógrafo aficionado que vive en San Diego, CA, uno de los muchos lectores de Fotos Media, y un participante ocasional en sus foros. Recientemente, después de haber participado en la Crítica fotográfica Fotos Media, Nasim Mansurov tuvo la amabilidad y el entusiasmo de invitarme a escribir un artículo para Fotos Media para compartir más de mi trabajo cinematográfico y discutir las herramientas y la metodología que utilizo. Acepté la invitación de todo corazón. Mientras reflexionaba sobre esta tarea, fue inmediatamente evidente que podía escribir un artículo así de diversas maneras, cada una de las cuales podría conducir a una discusión de subtemas adicionales tanto en fotografía general como en fotografía cinematográfica.
Mientras contemplaba un tema específico para discutir, sentí que sería más significativo y productivo escribir un artículo que fuera interesante y educativo en vez de una descripción prosaica de unas pocas fotografías y la elección de las herramientas. Tan tentador como es ahondar directamente en una descripción detallada de su trabajo en la fotografía, concluí que no podría escribir conscientemente un artículo puro sobre mis hazañas cinematográficas sin antes describir mi enfoque general de la fotografía, un enfoque que se basa en enseñanzas clásicas, da forma a mi proceso contemplativo, guía por qué y cómo elijo mis composiciones y, en última instancia, determina el proceso subsiguiente de realización de la obra impresa. Entonces, y sólo entonces, me sentiría cómodo escribiendo un artículo dedicado a mi trabajo cinematográfico. Por lo tanto, después de mucha deliberación, así es como decidí proceder con esta invitación. En este ensayo, discutiré brevemente la historia de un concepto fundamental, aunque todavía poco enfatizado, en la fotografía junto con una herramienta integral (y subestimada) que personifica este concepto. Posteriormente, en un artículo de seguimiento, pienso compartir un ensayo que relata una de mis fotografías más preciadas y que creo que ilustra el proceso emocional y creativo de la visualización. Y en un tercer artículo de seguimiento, compartiré un grupo selecto de fotografías que he hecho en película y describiré brevemente el proceso técnico involucrado y los servicios auxiliares que utilizo para el desarrollo, escaneo, impresión, así como también presentaré otros subtemas para una discusión futura.
En primer lugar, permítanme ahondar en un breve debate filosófico sobre un proceso que muchos fotógrafos – pasado, presente y, con suerte, futuro – consideran un paso crítico en la construcción de una fotografía, a saber, la visualización. La visualización no es un concepto o proceso nuevo en la fotografía. Los fotógrafos (principiantes, aficionados y profesionales) utilizan la visualización todos los días para concebir su obra y hacerla realidad y utilizarla de acuerdo con su estilo personal y su forma de ver e interpretar el mundo.
¿Qué es la visualización?
No se me ocurre mejor manera de responder a esta pregunta que compartiendo una serie de citas del más grande fotógrafo y maestro artesano que jamás haya existido, Ansel Adams:
“La visualización es un proceso consciente de proyectar la imagen fotográfica final en la mente antes de dar los primeros pasos para fotografiar realmente al sujeto”.
El término visualización se refiere a todo el proceso emocional-mental de crear una fotografía, y como tal, es uno de los conceptos más importantes en fotografía.
Visualizar una imagen (en su totalidad o en parte) es verla claramente en la mente antes de la exposición, una proyección continua desde la composición de la imagen a través de la impresión final. La visualización se ve con mayor precisión como una actitud hacia la fotografía.
“El primer paso hacia la visualización – y por lo tanto hacia la interpretación expresiva – es tomar conciencia del mundo que nos rodea en términos de la imagen fotográfica. Debemos explorar lo que está ante nuestros ojos por su significado, sustancia, forma, textura y la relación de los valores tonales. Debemos enseñar a nuestros ojos a ser más perceptivos”. “Estoy convencido de que los mejores fotógrafos de todas las persuasiones estéticas ‘ven’ su fotografía final de alguna manera antes de que se complete, ya sea por visualización consciente o a través de alguna experiencia intuitiva comparable”.
Mis compañeros fotógrafos, en mi humilde opinión, estas afirmaciones personifican una de las filosofías más profundas en la historia de la fotografía. Ansel Adams escribió e instruyó ampliamente sobre el proceso de visualización. Consideró que se trata de un proceso consciente, intuitivo y expresivo que comienza como una construcción artística en la mente que el fotógrafo traduce deliberada y físicamente en una expresión visual y tangible de esa construcción. De hecho, Adams, junto con el movimiento llamado Grupo f/64, es ampliamente reconocido por transformar la fotografía de una interpretación pictorialista de un tema en papel fotográfico en una forma modernista de arte fotográfico caracterizada por un énfasis en la composición, el detalle, la forma y la textura. Por supuesto, en sus libros Adams escribe mucho más sobre la visualización y se concentra mucho más en la apreciación de la estructura, la forma y la forma, así como en las manipulaciones técnicas de las herramientas del oficio que culminan en la impresión, el producto final de la visualización. En las décadas transcurridas desde que Adams sentó las bases de esta filosofía y ayudó a transformar fundamentalmente la fotografía en una verdadera y respetada forma de arte, los fotógrafos siguen utilizando este enfoque de alguna forma de acuerdo con su propio estilo o persuasión, muchos de los cuales quizás ni siquiera se dan cuenta conscientemente de ello. Otros aspirantes a fotógrafos, sin duda, luchan en este proceso, específicamente en dar el primer paso consciente y tangible para traducir la imagen en el ojo de la mente en una exposición, a saber, la formación de la composición. Como explica Adams en sus libros, el proceso de visualización puede ser un proceso natural y sin esfuerzo para el fotógrafo, mientras que para otros, se necesitan años de práctica y experimentación antes de que puedan tomar el mando y el control del mismo. El proceso de concebir y ver la imagen en la mente, reconocer y apreciar su significado físico y/o emocional, y manipular las herramientas físicas al alcance del fotógrafo para crear la imagen final, representa el imperativo artístico y técnico que impregna las enseñanzas de Adán y retiene su significado histórico y práctico en los más de 30 años transcurridos desde la muerte de Adán.
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 800, 10/400, f/5.6
Como la mayoría de nosotros ya entendemos y apreciamos, Ansel Adams fue un incomparable fotógrafo de paisajes y naturaleza, un apasionado ambientalista y un campeón del sistema de parques de Estados Unidos, aunque hizo un excelente trabajo con todavía vida y retratos . Dado el interés particular de Adams en la fotografía, su estilo y las herramientas del oficio de su tiempo, el proceso de visualización claramente se presta bien al fotógrafo contemplativo, uno que se deleita en perseguir un enfoque lento y deliberado para formular una imagen en la mente, interpretando esa imagen visual, y traduciendo esa imagen en una impresión que transmita mejor lo que el fotógrafo estaba viendo y sintiendo en ese momento. Para aquellos fotógrafos que no fotografían paisajes, arquitectura, imágenes fijas o retratos cuyo imperativo e interés radica en capturar el movimiento donde hay poco tiempo para la contemplación, yo diría que el concepto puro de visualización sigue siendo relevante para esos esfuerzos particulares y cualquier otro campo de la fotografía.
En los más de 80 años transcurridos desde que Adams emprendió su épico viaje hacia la fotografía, el mundo ha visto grandes cambios socioeconómicos y tecnológicos que han transformado profundamente el mundo. En cuanto a los avances en la fotografía, es interesante que Ansel Adams comentara algunos de estos cambios y reaccionara favorablemente, incluyendo la automatización de las cámaras y las primeras etapas de la invención de la cámara digital, de la cual Adams también manifestó su interés y reconoció las posibilidades y aplicaciones futuras. Dados los avances tecnológicos que el mundo de la fotografía ha visto en los últimos 30 años; la evolución de una sociedad de ritmo rápido; una sed de gratificación instantánea; la búsqueda individual para la adquisición de nuevos equipos de cámara y actualizaciones perpetuas de equipos; y la relativa desaparición de las enseñanzas clásicas en la fotografía de hoy en día, yo diría que el proceso de visualización juega un papel más crítico que nunca en el desarrollo del fotógrafo moderno en el año 2015. Sin una hábil traducción de la visualización y la creación de una composición convincente, la construcción de una fotografía significativa no puede ser realizada. Espero que muchos de mis compañeros fotógrafos, jóvenes o viejos, aficionados o profesionales, analógicos o digitales, estén de acuerdo con esta afirmación.
Hoy en día, los interesantes y emocionantes avances en la tecnología de cámaras y lentes, paradójicamente, pueden tener un efecto adverso en la visualización. Por ejemplo, la automatización (por ejemplo, el enfoque, la medición, la exposición, ver una imagen inmediatamente) ciertamente tiene sus ventajas y aplicaciones, pero considero que es uno de mis cuentos favoritos de “amigo o enemigo” en fotografía (este es un tema potencial de un artículo futuro), la automatización puede inhibir potencialmente la mentalidad subjetiva y creativa y afectar adversamente el proceso evaluativo objetivo en la construcción de la fotografía en la mente en la creación de la composición. La tendencia creciente y perturbadora entre los fotógrafos aficionados y profesionales de gastar una preciosa energía mental (por no mencionar los salarios y ahorros ganados con esfuerzo) obsesionados con detalles técnicos específicos, como la velocidad y precisión del autoenfoque, las velocidades de microprocesamiento, los búferes, la resolución de nitidez, los gráficos MTF, el ruido, los píxeles (la lista es aparentemente interminable) a expensas de canalizar los procesos de pensamiento crítico y la creatividad en una composición, es contraproducente. Yo también diría que las capas psicológicas de una sociedad exigente y de ritmo acelerado ejercen fuerzas contraproducentes sobre el fotógrafo moderno, lo que significa menos tiempo – o peor aún, menos interés – para contemplar, construir una composición significativa, perfeccionar las habilidades básicas de los esfuerzos conscientes subsiguientes (por ejemplo, la exposición, el desarrollo, el procesamiento, la impresión) y realizar una evaluación autoevaluativa y objetiva de los propios esfuerzos y hazañas de cada uno. Hoy en día, rara vez veo referencias o discusiones, ya sea en línea, en artículos impresos o en el portafolio de un fotógrafo, sobre el estilo contemplativo de un fotógrafo en el proceso de visualización o una explicación de cómo y por qué funciona una composición en particular o cómo puede ser mejorada; e incluso si existe tal comentario evaluativo, parecería ser vago o evolucionar rápidamente hacia una descripción técnica. Una vez más, esto no quiere decir que el fotógrafo moderno no practique la visualización en sus hazañas de manera competente o creativa. Fotógrafos hábiles y talentosos logran esto de alguna forma todos los días. El problema que veo es que el discurso de la fotografía y la formación del aspirante e impresionable fotógrafo parece haberse arraigado en un énfasis excesivo en las herramientas técnicas de la visualización, con una fuerte implicación de que la cámara y el objetivo por encima de todo determinan el éxito de la visualización y la creación de una fuerte composición y exposición y un énfasis en la visión artística, la creatividad, las habilidades compositivas, y la búsqueda y manipulación de la luz. Sin una comprensión de los fundamentos para crear una composición fuerte y convincente (reconocer mentalmente la forma, la forma, el patrón, la disposición, el encuadre y las interrelaciones), entonces las herramientas físicas que se utilizan en las últimas etapas no ayudarán al fotógrafo a lograr su objetivo, no importa cuán avanzadas y de alto nivel puedan ser esas herramientas. Este enfoque sesgado de la fotografía, en mi opinión, deteriora la visualización y dificulta el crecimiento del fotógrafo. Argumento que el mayor margen de mejora en este proceso de crecimiento reside en la habilidad compositiva. Debo admitir que yo personalmente fui víctima de este agujero negro al principio de mis hazañas en la fotografía, pero logré escapar de él… De hecho, muchos autores modernos ya han escrito sobre este problema desalentador, incluyendo colaboradores en Fotos Media. Sharif ha compartido este artículo sobre desafío para mejorar . Muchos autores también han escrito artículos sobre cómo mejorar las habilidades compositivas, incluyendo una excelente serie de Romanas Naryškin, comenzando con esta . Sin embargo, siento que queda mucho trabajo por hacer en este esfuerzo. Superar un énfasis masivo, aparentemente calculado, de alta tecnología, y atrozmente fuera de lugar en el engranaje para mejorar la calidad y los méritos de la propia fotografía con el fin de restaurar el equilibrio y el énfasis en el proceso fundamental de la visualización es una tarea formidable, pero se puede hacer.
Así que, con esta introducción a la historia del concepto de visualización y una breve discusión de los temas modernos que amenazan con descarrilarlo, esto me lleva a una discusión de una herramienta muy simple, poco apreciada y quizás olvidada en el proceso de visualización que puede mejorar tu habilidad compositiva. Dos años después de mis hazañas fotográficas, llegué a la conclusión de que sólo hay tres cosas que determinan el éxito de hacer una fotografía convincente: la visión artística, la luz y la habilidad del fotógrafo. Esencialmente, hice esta conclusión a partir de un enfoque de ensayo y error basado en la autoevaluación, la experiencia, el estudio de las enseñanzas clásicas y el examen del trabajo de los grandes fotógrafos, tanto los clásicos como los contemporáneos. 
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 800, 10/400, f/5.6
En mi humilde opinión, aquí es donde todo comienza y termina. No pasa un solo día ni una sola fotografía en la que no piense en esta tríada filosófica para contemplar mi próxima fotografía. Es un concepto dentro de la visualización que impulsa mis procesos de pensamiento y mi metodología, me inspira y me mantiene honesto . Tradicionalmente, he argumentado firmemente que el equipo y las herramientas por sí solas no hacen que las fotografías sean mejores de lo que ya son, o están destinadas a ser. Considere, algunas de las más grandes fotografías que se hicieron fueron construidas con cámaras, lentes y otras herramientas que se fabricaron antes de que todos nosotros naciéramos. De hecho, esas mismas herramientas vintage de principios y mediados del siglo XX se siguen utilizando para hacer fotografías impresionantes (esto, también, es un tema tentador para un artículo futuro). Siempre he sostenido que la tríada de arriba es impermeable al equipo esencial que uno lleva: la cámara y el objetivo. Por supuesto, uno puede argumentar que la luz en esta tríada es en sí misma una herramienta que puede ser elaborada y manipulada, ya sea que esa luz provenga del sol o de una fuente artificial, como un flash o una unidad estroboscópica, que puede ser considerada como “engranaje”. Sin duda estoy de acuerdo con ese argumento. Además, también se puede argumentar que el “último y más grande” equipo de cámara hace más fácil para el fotógrafo crear fotografías bajo condiciones rigurosas y desafiantes que de otra manera no serían posibles. En general también estoy de acuerdo con eso, pero también quiero señalar rápidamente que los méritos generales del producto final no serían diferentes a los de una fotografía hecha con una cámara o un objetivo “inferior”.
Sin embargo, quisiera hacer una notable excepción a esta tríada. Yo diría que si hubiera un esfuerzo consciente en todo el proceso de visualización, una herramienta subestimada que puede mejorar la calidad y el mérito general de su fotografía, entonces sería la tarjeta de composición, o la tarjeta de composición. La tarjeta de composición ha sido una herramienta instrumental y de honor para los fotógrafos durante décadas y sigue siendo utilizada hoy en día por fotógrafos expertos y contemplativos. Espero que algunos de mis compañeros fotógrafos, ya sean analógicos o digitales, también utilicen esta herramienta. Curiosamente, en los cinco años que llevo estudiando el arte de la fotografía, todavía no he sido testigo de la tarjeta de composición que utilizan los fotógrafos en la práctica. En los talleres de fotografía, de los cuales he tenido el placer y el privilegio de haber participado en tres, o en Internet, rara vez encuentro una referencia al uso de la tarjeta compositora para hacer una fotografía. Una notable excepción es este artículo publicado no hace mucho tiempo por Alan Ross, que fue asistente personal de Ansel Adams en su habitación oscura en los años setenta y es un fotógrafo excepcionalmente talentoso y consumado por derecho propio.
Tarjeta de composición
¿Qué es una tarjeta de composición? Es realmente muy sencillo. En palabras de Ansel Adams, la carta compositiva está elegantemente definida y descrita:
Visualizar fotografías [….] se puede llevar un paso más allá utilizando una tarjeta recortada negra… El marco se corta a las proporciones del formato de película y se mantiene a la distancia aproximada del ojo para aproximar el área de la imagen. La tarjeta ayuda a aislar y ver con mayor agudeza las relaciones de los elementos del sujeto…
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 1600, 10/1000, f/3.5 
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 800, 10/400, f/5.6
No existe un manual de instrucciones en sí para el uso de una tarjeta de composición. Es una herramienta intuitiva y autoexplicativa, pero cada fotógrafo que utiliza una tiene su propio estilo único de cómo ponerla en práctica. La forma de usarlo es una vez que tenga un tema de interés ante sus ojos, deje a un lado cualquier otro equipo que tenga en sus manos (o que cuelgue sobre su hombro o espalda) y use el centro recortado de la tarjeta para colocar el tema de interés dentro del área de la imagen recortada para enmarcar la composición sugerida. Una vez que “veas” al sujeto a través del “agujero” de la tarjeta, podrás refinar fácilmente esa composición inicial caminando hacia o desde el sujeto, explorando diferentes ángulos, ajustando la perspectiva y alternando entre la posición horizontal o vertical. Además, si extiende o retrae el brazo que sostiene la tarjeta para ajustar la distancia entre sus ojos y la tarjeta, puede aproximarse fácilmente a la distancia focal adecuada que necesitará para el marco. Entonces, y sólo entonces, está preparado para dar el siguiente paso crítico: abrir el obturador. Esencialmente, el cuerpo del fotógrafo se convierte en la cámara, los ojos en el objetivo y la tarjeta en la impresión final.
La belleza y el poder de la tarjeta compositiva es que entrena la mente y los ojos para visualizar la composición a partir de la relativa “inmensidad” de la escena antes de que el fotógrafo haga la exposición. Con la práctica y la experiencia, existe el potencial para que el fotógrafo sea más hábil para reconocer y “filtrar” los elementos extraños e incluir sólo lo que se desea (y necesita) para la fotografía. Muchos de vosotros podríais estar pensando, “Bueno, ya hago todo esto a través del visor o en el cristal del suelo de mi cámara… . . “ Eso es muy cierto. De hecho, sostener la cámara (fuera de un trípode o monópode, por supuesto) y mirar a través del visor mientras mueve los pies y ajusta la distancia entre el objeto y la cámara, variando los ángulos, la dirección y la perspectiva, es una gran manera de mejorar su habilidad para componer. Sin embargo, con la tarjeta de composición, el fotógrafo tiene la ventaja de ver una escena más amplia o más estrecha (en particular para aquellos que utilizan un objetivo de primer orden) en virtud de la extensión de la tarjeta de los ojos, lo que le permite prestar más atención a las fronteras, las formas, la forma y la estructura. Yo diría que tener una cámara en las manos para simular este proceso no proporciona los beneficios equivalentes y, de hecho, puede ser contraproducente. Por ejemplo, el peso físico de la cámara/lente en sí misma dentro de las manos puede ser una distracción. Ciertamente, el fotógrafo puede ser demasiado consciente de no querer dejar caer esa valiosa pieza de equipo, y eso puede ejercer un efecto inhibidor en la creación de la composición. Sostengo que cuanto más libre esté la mente de tales distracciones o preocupaciones, mejor. Además, si el fotógrafo comienza con una visión relativamente más restringida vista a través del visor, puede ser menos capaz de reconocer elementos fuertes (o débiles) en una composición potencial. Como ventaja adicional, un beneficio psicológico potencial del uso de la tarjeta es que puede simular el marco de la imagen que contiene la impresión terminada, y que puede ejercer una influencia positiva en el proceso creativo. Una vez más, cuanto más positiva y creativa sea la mente enfocada en esta etapa crítica del proceso de visualización, mejor. En esencia, la tarjeta compositiva separa al fotógrafo de la emoción física y técnica fría de la propia cámara (botones, palancas, interruptores, ajustes), que considero una distracción significativa en esta fase crítica. La tarjeta puede proporcionar al fotógrafo más libertad y comodidad para traducir la imagen en el ojo de la mente en una composición fuerte. Por supuesto, una vez que el fotógrafo utiliza la tarjeta como la herramienta física inicial para definir la composición y está listo para hacer la exposición, entonces el fotógrafo puede tomar su cámara de su elección, mirar a través del visor, o el vidrio del suelo bajo el paño oscuro, para refinar la composición final y luego abrir el obturador. Si lo piensas, la tarjeta compositora es una herramienta elegante y potencialmente poderosa.
Claramente, la tarjeta de composición está diseñada para ser una herramienta para el fotógrafo contemplativo que se deleita y se enorgullece de un enfoque lento y deliberado para evaluar el tema, la iluminación y el estado de ánimo de la escena. Como tal, la tarjeta de composición es ideal para el fotógrafo inmóvil (paisajes, retratos, naturalezas muertas) donde el sujeto es relativamente estático. Obviamente, la tarjeta sería mucho menos útil para el fotógrafo de acción.
Entonces, ¿cómo se hace una tarjeta de composición? Es fácil y asequible. Simplemente tome un pedazo de cartón o tarjeta rígida, corte las dimensiones exteriores a un tamaño conveniente para sostener (como 7×8″ o 8×10″). Luego, dentro del centro de la tarjeta, recorte las proporciones aproximadas del área de la imagen para el formato o los formatos que utilice. Puede utilizar una tarjeta para cada formato que utilice (por ejemplo, 35 mm, 6×4,5, 6×7, 4×5), pero no es estrictamente necesario, siempre y cuando las dimensiones del área de la imagen sean lo suficientemente grandes como para ver a través de ella y aproximarse a la relación de aspecto que prevé para su impresión. Personalmente, utilizo dos tarjetas: una para una relación de aspecto 5:4 para mis cámaras de formato medio y grande y otra con una relación de aspecto 3:2 para mi cámara de 35 mm. Una vez más, se trata de una cuestión de elección. Una buena dimensión para el borde más largo del recorte sería entre tres y cinco pulgadas, dependiendo de su preferencia para facilitar la visualización. Eso es todo! Simple, barato, pero muy efectivo. Desde hace poco más de un año que utilizo la tarjeta de composición, la considero una herramienta instrumental en el desarrollo y perfeccionamiento de mis habilidades compositivas. En una sesión de fotos o caminata, automáticamente empaco mi bolsa de la cámara con mi tarjeta y no tomo ninguna fotografía sin ella – ¡lo digo en serio! En las fotografías de abajo, he incluido algunas ilustraciones modestas de mi tarjeta de composición y cómo la he usado para visualizar mis impresiones finales. ( Nota : Hice la fotografía del árbol hace aproximadamente un año, así que recientemente volví a la escena original para hacer una ilustración con mi tarjeta.)
iPhone 4S @ 4.28mm, ISO 50, 1/24, f/2.4
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 800, 10/1000, f/5.6 
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NIKON D7100 @ 35mm, ISO 400, 10/1000, f/4.0
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NIKON D7100 @ 35mm, ISO 200, 10/1250, f/16.0 
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 400, 10/1000, f/4.0
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 1600, 10/400, f/3.5 
iPhone 4S @ 4.28mm, ISO 50, 1/789, f/2.4 
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 800, 10/600, f/11.0 
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 400, 10/1000, f/4.0
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 1250, 10/300, f/3.5 
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 200, 10/2500, f/8.0 
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 800, 10/2500, f/16.0 
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 800, 10/400, f/5.6 
QSS-32_33
NIKON D7100 @ 35mm, ISO 1250, 10/800, f/2.8
Incluso los fotógrafos contemporáneos y consumados, como el magnífico Howard Bond ,utilizan la tarjeta de composición para visualizar sus impresiones. En una reciente correspondencia, el Sr. Bond me relató esto con respecto a la tarjeta:
“Hace más probables las composiciones…. la posición exacta de la cámara y el objetivo se pueden determinar antes de configurar la cámara. Utilizo una tarjeta de composición para todas mis fotografías. “
“Mirar a través de él es más como mirar la impresión montada terminada. Una gran ventaja de la tarjeta de composición para los usuarios de objetivos sin zoom es el ahorro de tiempo al utilizarla para descubrir qué objetivo ponerse… ..”
La simplicidad y la influencia de la tarjeta de composición en el proceso de visualización son inestimables. El único reto, si lo hay, es que el fotógrafo empaque consciente y deliberadamente la tarjeta en la bolsa de la cámara y luego la saque de la bolsa y la utilice. Cuando empecé a usar la tarjeta hace más de un año, tengo que admitir que me sentí incómodo sosteniendo este marco con un agujero en el medio para examinar mi tema mientras que los transeúntes curiosos se preguntaban o se susurraban a sí mismos “Oh, mira cariño, me pregunto qué estará haciendo ese tipo”. Con la práctica y la experiencia, ahora me siento muy cómodo y fortalecido al usar mi tarjeta de composición. Nunca me pregunto si necesito usarla para una fotografía determinada. Es un proceso automático y condicionado para mí. Argumento que para el fotógrafo contemplativo, la herramienta física que debe ser sacada de la bolsa de la cámara antes que nada debe ser la tarjeta de composición, que considero que es el puente tangible entre la mente y la impresión. Mis compañeros fotógrafos, apoyo y recomiendo esta herramienta para refinar y traducir el proceso de visualización. Por favor, ¿por qué no lo intentas? Hay mucho que ganar, y es posible que se sorprenda gratamente.
Espero que hayan encontrado este ensayo sobre visualización interesante y educativo. Quiero agradecer a Nasim Mansurov por su invitación a presentarme y a este artículo. Como mencioné, muy pronto compartiré con Fotos Media un ensayo de seguimiento sobre la visualización, así como un artículo separado sobre mis herramientas y hazañas particulares en la fotografía cinematográfica. Les invito a que dejen sus comentarios y preguntas a continuación. Si prefiere enviar un mensaje privado, puede hacerlo con su cuenta de Fotos Media o por correo electrónico a mi galería en línea en Zenfolio .
